¿Cuál es el fundamento de todo conocimiento? Pues sin duda, el estudio y la investigación. Los libros para diseñadores gráficos son, por tanto, la mejor fuente de dicho saber para un profesional de esta área.
La biblioteca de estos artistas visuales estará incompleta si no contiene en su estantería estos 10 títulos. Después de todo, se trata de un conjunto de obras de gran maestría que de igual manera harán de sus lectores grandes maestros. ¡Veamos a continuación esta selección!
1. “La sintaxis de la imagen” de Donis A. Dondis
De la pluma de Donis A. Dondis, tenemos “La sintaxis de la imagen“, una obra que, a través de la aplicación de principios de la percepción visual de la psicología de la Gestalt, muestra al lector una teoría de la composición gráfica. El trabajo se desarrolla a partir del resumen de trabajos surgidos durante la segunda mitad del siglo 20.
La amenidad es el recurso al que recurre el autor para dar a conocer los elementos de la gramática visual. ¡Ojo!, pero tal forma de narrar no debe entenderse como falta de rigurosidad en sus planteamientos.
Un libro de obligatoria consulta de los profesionales del diseño gráfico que deben conocer y manejar al dedillo los principios y normativa de la semántica, la retórica y la comunicación visual.
Sobre el texto, el autor advierte que su intención es “sugerir una variedad de métodos de composición y diseño que tengan en cuenta la diversidad estructural del modo visual. Así mismo, explica que “teoría y proceso, definición y ejercicio se dan la mano a lo largo de sus páginas”.
2. “Historia del Diseño Gráfico” de Philip B. Meggs y Alston W. Purvis
Este libro de Philip B. Meggs y Alston W. Purvis fue catalogado como “hito de la historia de la edición” por la Asociación Americana de Editores. Una pieza que, consideramos, no puede faltar en la biblioteca de todo diseñador gráfico que desee adquirir un claro panorama de esta disciplina.
“Historia del Diseño Gráfico” fue editado por primera vez en 1983 y está compuesto por cinco capítulos. En ellos se explica el devenir de este oficio desde la invención de la escritura. El lector conocerá los diferentes alfabetos surgidos en las principales civilizaciones, así como su desarrollo y la transformación del oficio con el origen de la impresión y la tipografía.
Los autores dan a conocer al lector la evolución del diseño gráfico a través de los diferentes movimientos artísticos desde el Renacimiento, así como en la era victoriana, el art noveau, el arts and crats, entre otras escuelas y tendencias.
Página tras página, las imágenes presentadas dan cuenta del desarrollo del diseño de la tipografía moderna, el diseño posmoderno y de cómo la era de las computadoras revolucionó la gráfica en el mundo.
3. “Psicología del color” de Eva Heller
¿Sabías que cada color tiene la capacidad de producir distintos efectos algunas veces contradictorios? Es decir, el verde puede significar salud y al mismo tiempo veneno. ¿Y que la famosa pasión y erotismo asociada al rojo, puede traducirse como brutalidad, inoportunidad, pero también en nobleza?
Muchos se sorprenderían si supieran que, por ejemplo, hasta bien entrado el siglo 20, el rosa era un color masculino. Bien, la relación del color y los sentimientos es el tema que aborda Eva Heller en “Psicología del color”.
La autora refiere que el nexo entre color y sentimientos no es casual ni arbitrario. Asegura que la relación entre ambos no responde al gusto, sino que se combinan en atención a “experiencias universales profundamente enraizadas desde la infancia en nuestro lenguaje y nuestro pensamiento”. Un clásico que no debe faltar en la biblioteca de todos los diseñadores gráficos.
4. “Manual de tipografía” de John Kane
¿Es posible la existencia de un diseñador gráfico sin el dominio de la tipografía? No lo creemos y por eso recomendamos la lectura y constante consulta de “Manual de tipografía“, de John Kane. Un texto que proporciona herramientas para desarrollar la sensibilidad y conocimientos de manera estructurada y con gran fundamento.
En las páginas de este libro, el diseñador gráfico encontrará los principios básicos de la tipografía y sus aplicaciones. También podrá informarse acerca de las partes de las letras, la clasificación de los tipos, la composición de los textos en las páginas y el funcionamiento de las retículas.
John Kane no pierde la oportunidad de hacer referencia a la historia de la tipografía. Lo mejor es que ofrece una serie de ejercicios prácticos que permiten al lector profundizar en esta disciplina.
5. “Arte y percepción visual” de Rudolf Arnheim
El psicólogo y filósofo, Rudolf Arnheim, hizo grandes contribuciones al arte visual con este libro que inició la sistematización de las artes visuales al aplicar los principios de la psicología de la Gestalt —la percepción humana convierte lo parcial en total— para comprender las obras de arte.
Así, en “Arte y percepción visual” se pronuncia por la apreciación de la obra de arte como un todo, como una abstracción en la que el espectador resalta lo esencial de la misma. Y es que a pesar de que Arnheim se centra en la pintura, cuyos componentes analiza, su visión es de igual aplicación a todas las artes visuales.
Para hacer sus planteamientos, se sustenta en estudios experimentales de interpretación de la forma, la figura, el fondo y el equilibrio. Lo genial de “Arte y percepción visual” es que el autor utiliza un lenguaje accesible a todo tipo de lector, tanto el especializado como el que no.
También te puede interesar: Tipos de diseño, ¡descubre en cuál te puedes perfeccionar!
6. “Persuasión. 33 técnicas publicitarias de influencia psicológicas” de Andrews, van Leeuwen y van Baaren
Marc Andrews, Van Leeuwen y Van Barren se unen para mostrar cómo la publicidad con sus constantes mensajes persuade al público para que sienta, crea y compre determinado producto o servicio. “Persuasion: 33 técnicas publicitarias de influencia psicológica” da a conocer de qué manera elementos de la psicología potencian al diseño gráfico a objeto de influenciar el comportamiento de los receptores de los mensajes. Un texto indispensable para comunicadores, publicistas y diseñadores.
7. “Sistema de retículas” de Josef Müller-Brockmann
Josef Müller-Brockmann hace un estudio riguroso de la sistematización tipográfica en todas sus formas. “Sistemas de retículas. Un manual para diseñadores gráficos” es un clásico del diseño con retícula —regla invisible o grilla que guía al diseñador gráfico— en el que el autor analiza los distintos elementos que conforman la tipografía y la manera como estos se articulan en la composición.
8. “More is More” de Dani Navarro y Albert Martínez López-Amor
Este libro es una compilación de trabajos del diseñador gráfico, ilustrador y tipógrafo español, Alex Troucht, profesional de gran proyección internacional en la actualidad. Una labor de recopilación que llevaron a cabo Dani Navarro y Albert Martínez López-Amor.
La muestra de “More is More” comprende el trabajo ejecutado por Troucht entre 2003 y 2010. Un obra que se perfila como un retrato intimista del diseñador catalán a través de formas elegantes y detalladas.
9. “Manual de diseño tipográfico” de Emil Ruder
Entre los primeros artífices de la ruptura de la tradición tipográfica se encuentra el tipógrafo y diseñador gráfico, Emil Ruder, quien tuvo un rol clave en el diseño gráfico durante 1940 y 1950. Un artista suizo caracterizado por las composiciones asimétricas y el uso de cuadrículas. En “Manual de diseño tipográfico” es posible contemplar una combinación del diseño general de Ruder, su temática, gráficos y juegos tipográficos.
10. “Diseño gráfico digital” de Anna María López López
No podríamos pasar por alto en esta era de la tecnología y la informática, al “Diseño gráfico digital“, un libro de Anna María López López, quien suma al diseño gráfico tradicional los adelantos que ofrecen los medios y dispositivos de última generación. La autora refiere cómo la web, las redes sociales y, en general, los medios digitales, son el nuevo soporte del diseño gráfico. Del papel a la pantalla, en pocas palabras.
En las páginas de este libro, convergen los tradicionales conceptos del diseño gráfico, como el briefing —documento descriptivo del proyecto— con pixel, SVG, sectorización, Open Type, modos de color, entre otros. “Diseño gráfico digital” es, entonces, una herramienta de preparación para los nuevos diseñadores gráficos y un instrumento de actualización para los profesionales tradicionales.
No dejes de consultar: 8 cosas que nadie te dice de ser diseñador gráfico
Incorpora estos libros para diseñadores gráficos a tu biblioteca
Bien sea que te inicies en el mundo del diseño gráfico o que ya lleves un buen camino recorrido en esta disciplina, creemos que estos títulos son vitales para comenzar o completar tu biblioteca. Haznos saber tus impresiones sobre estas recomendaciones o ¡realiza tus aportes sugiriendo la lectura de otros libros para diseñadores gráficos!
